sábado, 21 de marzo de 2026

Teatroamater 049 Teatro Eärendil

 En esta nueva entrega de nuestro podcast de Teatroamater charlamos con Juan Díaz, uno de los impulsores de Teatro Eärendil, una asociación cultural nacida en 2024 pero con más de dos décadas de experiencia acumulada sobre las tablas por parte de sus fundadores. Una conversación que nos permite asomarnos al espíritu de una compañía que ha hecho del humor fresco, el ritmo ágil y la conexión directa con el público su seña de identidad.

El nombre del grupo no es casual. Inspirado en el universo de Tolkien, Eärendil simboliza esa luz que guía en la oscuridad. Y precisamente eso es lo que buscan con cada función: regalar al espectador un paréntesis luminoso en medio de las preocupaciones cotidianas, convertir el teatro en refugio y en celebración compartida .

Durante la entrevista repasamos sus montajes más representativos. Por un lado, la adaptación de Petición de mano, de Chéjov, a la que han sabido dotar de actualidad sin perder el respeto al clásico, ampliando su duración y trasladando la acción a un contexto más cercano al público de hoy. Por otro, su buque insignia, Secuestro Stress, una comedia de humor absurdo donde la cuarta pared salta por los aires y el público se convierte en parte activa del juego escénico. Un montaje versátil, ligero en escenografía y potente en energía, que ha demostrado funcionar tanto en salas pequeñas como en espacios de mayor aforo.

También hablamos de su apuesta decidida por el microteatro, un formato que les permite experimentar, arriesgar y probar nuevas incorporaciones dentro de la compañía. Historias breves, directas y muy vivas que condensan en apenas quince minutos la esencia de su estilo: comedia desenfadada, ritmo vertiginoso e improvisación medida.

Más allá de los títulos concretos, lo que atraviesa toda la conversación es una idea clara: la pasión por el teatro como motor constante. Desde la profesionalidad en los ensayos hasta el contacto cercano con el público tras cada función, pasando por la voluntad de seguir creciendo con nuevos proyectos —incluido un próximo drama que supondrá salir de su zona de confort—, Teatro Eärendil demuestra que el ámbito amateur está lejos de ser un terreno menor y que, cuando hay entrega y compromiso, el escenario siempre responde .

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sábado, 14 de marzo de 2026

Teatroamater 048 Laura Carvajal de El telón negro

En esta nueva entrega de nuestro podcast volvemos a encontrarnos con Laura Carvajal, quien ya inauguró esta serie hablando del festival de teatro de humor, pero que ahora nos abre una puerta mucho más íntima y exigente: su trabajo en “El legado”, una obra que está marcando un antes y un después en su trayectoria artística.

En este montaje unipersonal, Laura da vida a Carmen, una mujer emigrante cuya hija y nieta desaparecen durante la dictadura argentina. A partir de ahí, el escenario se convierte en un viaje emocional que transita por la memoria, la pérdida y la resistencia. Inspirada en la lucha de las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo, la obra no solo recupera un episodio doloroso de la historia reciente, sino que lo transforma en un acto de memoria y compromiso.

Uno de los aspectos más singulares del montaje es la adaptación del texto original argentino al contexto español. Laura no solo interpreta, sino que también firma una versión que acerca la historia al público de aquí, incorporando referencias familiares propias y contextualizando los hechos para que el espectador comprenda plenamente el alcance de aquella tragedia. Ese trabajo de reescritura añade una capa de verdad que atraviesa toda la función.

Sobre las tablas, la actriz afronta el reto de encarnar a Carmen en distintas etapas de su vida, transformando su cuerpo y su voz con cambios mínimos de vestuario y apoyándose en la expresión corporal, la respiración y pequeños elementos simbólicos. Es un ejercicio de concentración extrema, donde cada transición sucede casi sin red, en cuestión de segundos.

El montaje intercala, además, fragmentos documentales reales que contextualizan la acción y refuerzan el impacto emocional. No se trata de recrear el dolor por el dolor, sino de equilibrarlo con momentos de ironía, recuerdos luminosos y destellos de esperanza. Porque si algo deja claro la obra es que estas mujeres no vivieron instaladas en la tristeza, sino en la lucha.

La escenografía, con ese salón presidido por una maleta que simboliza el legado que se transmite, funciona como un espacio íntimo donde se rompe la cuarta pared y el público pasa a ser parte de la historia. Y es precisamente el público quien ha respondido con una intensidad que quizá nadie esperaba: silencios densos, aplausos en pie, lágrimas compartidas y un reconocimiento que se ha traducido en numerosos premios, incluidos varios a la mejor actriz.

En la conversación también hay espacio para hablar del trabajo en equipo, del acompañamiento de la dirección y del orgullo de defender el teatro amateur como un espacio de creación libre, comprometido y capaz de abordar temas incómodos con honestidad y rigor.

Un episodio que nos recuerda que el escenario puede ser memoria, denuncia y también esperanza. Y que, cuando el teatro se hace desde la verdad, deja huella.

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sábado, 7 de marzo de 2026

Teatroamater 046 Babylon Teatro

En esta edición de nuestro pódcast conversamos con Santos Muñoz, alma creativa de Babylon Teatro, una compañía con más de una década de recorrido que ha sabido consolidarse dentro del teatro amateur a base de constancia, aprendizaje colectivo y una clara voluntad de crecer sin perder identidad. Desde sus orígenes en 2013, Santos repasa cómo un grupo nacido del teatro musical fue encontrando su voz propia, superando cambios, errores y dificultades, hasta convertirse en una auténtica familia teatral.

La charla nos permite recorrer algunas de sus obras más representativas, como Chicas de Juernes, escrita y dirigida por Hernán Brave, una comedia que se ha convertido en uno de sus grandes éxitos y que sigue conectando con el público gracias a su mirada cercana y honesta sobre la realidad femenina. O Metro a metro, una adaptación de la obra Metro, con una versión que está enfocada en la relación de dos mujeres, con un enfoque versión LGTBI+.También hay espacio para recordar montajes más complejos y dramáticos, fruto de colaboraciones y de una apuesta clara por no repetirse.

El eje central de la conversación gira en torno a Código 10-45, un giro radical en la trayectoria de la compañía. Escrita y codirigida por el propio Santos junto a Cecilia Cobos, la obra se adentra en el terreno del thriller escénico, mezclando referentes del cine quinqui y el universo Tarantino con un lenguaje teatral propio. Acción, violencia, drama y tensión se combinan en un montaje que supone un verdadero reto tanto a nivel dramatúrgico como escenográfico, con un uso muy cuidado de la iluminación, el movimiento físico y la creación de atmósferas.

A lo largo de este episodio ponemos en valor el trabajo actoral, el proceso de construcción de personajes con fuerte carga emocional y carisma, la importancia de la química de grupo y la implicación colectiva para sacar adelante un proyecto tan exigente. También se reflexiona sobre la relación con el público, los certámenes, la dificultad de girar en el circuito amateur y la necesidad de atreverse a hacer cosas distintas, aunque no sean del gusto de todo el mundo.

Una conversación sincera y apasionada que retrata a una compañía inquieta, comprometida y con ganas de seguir explorando nuevos caminos sobre las tablas, demostrando que el teatro amateur puede ser arriesgado, contemporáneo y de gran calidad .

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Teatroamater 045 Atrote teatro

En este episodio de nuestro pódcast nos trasladamos de nuevo a Elche para conversar con Carlos Maciá, director y dramaturgo de Atrote Teatro, una de las compañías con mayor trayectoria del teatro amateur en la Comunidad Valenciana. Con más de tres décadas de historia. Atrote ha sabido atravesar distintas etapas sin perder su seña de identidad: una defensa firme de que el teatro aficionado debe hacerse con el mismo rigor, amor y exigencia que cualquier proyecto profesional.

A lo largo de la charla repasamos los orígenes de la compañía, fundada en 1991, y su evolución hasta esta segunda etapa iniciada en 2018, marcada por una clara apuesta por la creación de textos propios. Carlos comparte una mirada muy personal sobre el proceso creativo, en el que la comedia, el drama o incluso el terror y la ciencia ficción sirven siempre como vehículo para hablar de temas sociales, emocionales y humanos, más allá del simple entretenimiento.

Uno de los momentos centrales del episodio lo ocupa Don Quijote en los infiernos, un montaje que ha marcado un antes y un después para Atrote Teatro. La obra propone una poderosa fusión entre metateatro, humor y una mirada sensible sobre el Alzheimer, construida a partir de la relación entre un paciente que se cree Don Quijote y su cuidador, que asume el papel de Sancho Panza para acompañarlo. Un trabajo actoral de enorme complejidad, especialmente en el personaje protagonista, que ha sido ampliamente reconocido en certámenes nacionales y que incluso llevó a la compañía a actuar en Londres, ante un público mayoritariamente hispanohablante, pero también internacional.

El episodio sirve también para presentar Radio Corazón, la nueva comedia del grupo para 2026. Ambientada en una emisora de radio en 1962, la obra combina enredo romántico, caos técnico y un claro homenaje al cine y la comedia española de los años cincuenta y sesenta. La propuesta explora el poder del sonido, el ritmo y la imaginación, construyendo una historia tan disparatada como cercana, donde las interferencias técnicas se confunden con las del corazón.

Carlos reflexiona además sobre su experiencia en el mundo audiovisual —trabajando en vestuario, arte y maquillaje para producciones internacionales— y cómo esa metodología le ha ayudado a organizar, delegar y cuidar los procesos dentro del teatro amateur. La conversación se cierra con una defensa clara de este ámbito creativo como un espacio de libertad, donde es posible contar las historias que uno quiere contar, sin la presión de lo comercial, y seguir llevando cultura, reflexión y emoción a todo tipo de públicos.

Una charla profunda y cercana que confirma a Atrote Teatro como una compañía inquieta, coherente y comprometida con un teatro amateur exigente, creativo y lleno de contenido .

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Teatroamater 047 Rosa Melero de Loyola Teatro

En esta nueva edición de nuestro podcast nos trasladamos hasta Córdoba para conocer de cerca la historia y el presente de Loyola Teatro, la compañía universitaria de la Universidad Loyola Andalucía, que celebra 25 años de trayectoria formando a estudiantes dentro y fuera del escenario.

A lo largo de la conversación con Rosa Melero Bolaños, responsable del proyecto, descubrimos cómo aquel primer taller casi artesanal, impulsado por un grupo de estudiantes de Empresariales, terminó convirtiéndose en una compañía consolidada que ha llevado el teatro universitario a certámenes, festivales y espacios emblemáticos. El punto de inflexión llegó con El perro del hortelano, cuando los premios obtenidos en un certamen marcaron el inicio de una nueva etapa más ambiciosa.

Hoy, Loyola Teatro es mucho más que un grupo escénico: es una comunidad intergeneracional por la que han pasado más de 210 personas a lo largo de estos años, integrando alumnado, profesorado, personal de gestión y antiguos alumnos. Una gran familia que comparte ensayos, viajes y escenarios, y que convierte la rotación universitaria en un reto constante… y también en una riqueza.

Rosa en la entrevista pone el foco en algo esencial: el teatro como herramienta educativa. No se trata solo de actuar, sino de aprender a comunicar, a trabajar en equipo, a gestionar emociones y a desarrollar valores como la tolerancia, el respeto y el espíritu crítico. Muchos estudiantes reconocen que, gracias al escenario, han sido capaces después de enfrentarse a públicos numerosos con seguridad y confianza.

Otro de los rasgos que definen a la compañía es su firme apuesta por el teatro clásico, especialmente el Siglo de Oro, con montajes de autores como Lope de Vega, Calderón de la Barca o Tirso de Molina, sin renunciar a propuestas contemporáneas o textos propios. Obras como La posadera, El gran teatro del mundo o Don Gil de las calzas verdes forman parte de un repertorio que combina comedia, reflexión y verso, y que ha sabido conectar con públicos diversos.

Además, Loyola Teatro ha tenido la oportunidad de representar sus montajes en lugares de enorme carga simbólica, como la Mezquita-Catedral de Córdoba, o distintos espacios patrimoniales andaluces. Escenarios que imponen, pero que también refuerzan la dimensión cultural y patrimonial del proyecto.

La conversación también recorre experiencias como visitas teatralizadas en museos, encargos institucionales, participación en documentales y la conexión con otros grupos a través de la Federación Española de Teatro Universitario.

En definitiva, este episodio es el retrato de un proyecto que demuestra que el teatro universitario puede ser exigente, comprometido y profundamente transformador. Una iniciativa que, desde Córdoba, sigue apostando por el verso, por la formación integral y por la convicción de que subirse a un escenario es, también, una manera de aprender a estar en el mundo.

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sábado, 14 de febrero de 2026

Teatroamater 043 Teatro El Lugá

 Charlamos hoy con Manuel España del grupo de teatro El Lugá

Teatro El Lugá: veinticinco años de escenario, público y perseverancia

Hablar de Teatro El Lugá es hablar de tiempo, de aprendizaje y, sobre todo, de fidelidad al escenario. Casi veinticinco años después de aquellos primeros pasos dados con más ilusión que certezas, la compañía sigue demostrando que el teatro amateur se sostiene gracias a las ganas y al contacto directo con el público. “Entré con 18 años, con mis miedos y mis dudas, y aquí sigo”, recuerda Manuel España, uno de sus pilares fundamentales.

A lo largo de este recorrido han pasado muchas personas, diferentes directores y propuestas muy diversas, desde el teatro clásico al infantil, del drama a la comedia. Esa variedad no ha sido casual, sino una forma consciente de no encasillarse. “No podemos quedarnos en un solo género, aunque ahora estemos más en la comedia”, explican, asumiendo también que el público busca, muchas veces, reír y desconectar.

Mantener viva una compañía durante tantos años no es sencillo, y El Lugá lo tiene claro: la clave está en la ilusión compartida y en la respuesta del público. “Cuando al acabar una función la gente te dice que se ha olvidado de sus problemas durante una hora, eso te llena de ganas de seguir”. Esa conexión directa sigue siendo el mejor combustible para el teatro aficionado.

Uno de los proyectos que mejor refleja ese compromiso es su Certamen de Teatro, que comenzó como una simple muestra y que hoy alcanza ya su decimoquinta edición como certamen competitivo. Con una participación que llega a superar las ochenta compañías inscritas, El Lugá ha sabido consolidar una cita cultural que llena la sala y atrae público de localidades cercanas.

En el plano artístico actual, el gran estandarte actual del grupo es Suegras, un espectáculo que ha recorrido certámenes de toda España y que en apenas nueve meses ha cosechado diversos premios. Una comedia que rinde homenaje al cine en blanco y negro y a la revista española, apostando por una propuesta visual arriesgada y poco habitual. “Queríamos hacer algo diferente, ir a contracorriente y apostar por el blanco y negro”, señalan.

Bajo la dirección de Ángel Baena, la obra combina humor constante con un trabajo corporal muy preciso, heredero del mundo del clown y la mímica. “Todo está medido: cada gesto, cada objeto, cada movimiento”, explican, subrayando un método exigente que se traduce en una gran solidez escénica.

Aunque Suegras se apoya en la risa, no renuncia a un momento de reflexión. En medio del enredo aparece un conflicto emocional que recuerda que el amor y las relaciones también necesitan espacio y respeto. “Queríamos que, además de reírse, el público se llevara algo más a casa”.

El recorrido de Teatro El Lugá no ha estado exento de dificultades. Las trabas para acceder a espacios, la falta de facilidades para la promoción o la escasa visibilidad siguen siendo obstáculos habituales para muchas compañías amateurs. Aun así, reconocen el apoyo recibido por su ayuntamiento como un factor clave para seguir adelante. “Tenemos la suerte de contar con un teatro y con respaldo institucional, y eso no es lo habitual”.

Con Suegras aún en plena gira y nuevos proyectos en el horizonte, Teatro El Lugá sigue demostrando que el teatro amateur no es un paso previo ni un terreno menor, sino un espacio de creación auténtica, sostenido por la constancia y el amor al oficio. Porque, como bien saben después de tantos años, “lo importante es actuar y que el público disfrute esa hora que pasa con nosotros”.

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Teatroamater 044 Teatro en Construcción

En esta edición de nuestro pódcast nos acercamos al trabajo del Grupo de Teatro en Construcción, una de las compañías más activas y reconocidas del teatro amateur en nuestro país. Fundada en 2010 en Elche, su trayectoria está marcada por una evolución constante, una identidad artística muy definida y una firme apuesta por el cuidado estético y emocional de cada montaje.

De la mano de Juan Adrián Rodríguez, director y uno de los pilares del grupo, repasamos los orígenes de la compañía, nacida en el entorno universitario y construida —como su propio nombre indica— desde el aprendizaje colectivo, el compromiso y la pasión por las artes escénicas. A lo largo de más de quince años, Teatro en Construcción ha sabido crecer sin perder su esencia: contar historias que emocionen, interpelen al espectador y le hagan partícipe de lo que sucede en escena.

La conversación se detiene especialmente en su actual montaje, La Vigilia del Pincel, una propuesta singular que combina teatro, música en directo, movimiento corporal y una potente dimensión visual. Partiendo de un texto inspirado en Noche de guerra en el Museo del Prado, la obra plantea una pregunta tan inquietante como sugerente: ¿qué ocurriría si el arte desapareciera de nuestras vidas? Desde ahí, cuadros icónicos cobran vida sobre el escenario para reflexionar, con humor, poesía y emoción, sobre la deshumanización y la necesidad del arte como motor vital.

Juan desgrana un proceso creativo en el que todas las disciplinas dialogan: interpretación, iluminación, escenografía, vestuario, maquillaje y una música original interpretada en directo, que se convierte en uno de los grandes sellos del montaje. Nada es accesorio; todo está pensado para construir una experiencia estética completa que busque provocar una sonrisa, una lágrima o, al menos, no dejar indiferente al público.

El episodio también pone el foco en el trabajo de grupo, la diversidad generacional del elenco —que incluye incluso a un niño en escena— y la importancia de crear un ambiente de confianza y familia, imprescindible para sostener un proyecto tan ambicioso dentro del teatro amateur. Viajes, certámenes, cambios de reparto y dificultades logísticas forman parte del día a día de una compañía que entiende el teatro como un esfuerzo colectivo y profundamente vocacional.

Una charla inspiradora que reivindica el teatro amateur como un espacio de creación rigurosa, compromiso artístico y amor por el escenario, y que confirma a Teatro en Construcción como una compañía que sigue creciendo, buscando nuevos retos y defendiendo el valor del arte en todas sus formas .

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